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S’écorcher les paupières et voir ou les archives d’une poétique du réel – Sur quelques séquences photographiques et photogrammatiques de Fakhri El Ghezal

10/06/2018 Mohamed-Ali Berhouma Laisser un commentaire

Ce texte fut écrit en marge de l’exposition de Fakhri El Ghezal pour sa série “El-Maamel” lors de la session 2018 de la manifestation culturelle et d’art contemporain “Jaou Tunis” (27 Juin – 1 Juillet 2018).

Année 2008. À quelques lieux de l’école des beaux-arts de Tunis[1] où ils ont étudié, trois jeunes sculpteurs, fraîchement diplômés, tentent l’aventure pratique de la sculpture en ouvrant un atelier ayant pignon sur rue, œuvrant à donner à leur rêve de praticiens la forme d’une concrétude, se confrontant à la rue, au réel d’une vie où il s’agissait de faire son pain en modelant les argiles, les pierres, les métaux… En ouvrant un atelier de sculpture comme on ouvre boutique, c’est le rêve médiéval de la bottegha qu’on invoque : un lieu de médiation commerciale au même temps qu’un lieu de création. Une fabrique en somme dont le store levé devient le lieu d’une implacable violence où se collisionnent, d’une part, un rêve créateur, une passion artiste puisant ses racines dans l’utopie d’une liberté du faire sculptée et, d’autre part, un réel de la subsistance, des contraintes professionnelles de la commande, de l’insensible demande, d’un marché qui ne pardonne aucun écart, aucune errance…

Leurs premiers outils à la main, les trois jeunes sculpteurs s’apprêtaient à vivre la sculpture au-delà de son enceinte artistique et désormais comme une profession. Et cette fabrique s’appellerait El-Maamel[2] ; elle se situerait – ironie du sort oblige – aux confluents de la rue Ibn Hani, poète, et de la rue Paul Ducroquet, qui fut directeur des Finances en Tunisie… Leur engagement dans ce projet devait aussi les amener à habiter le quartier, à inscrire leur être-étudiant, leur être-artiste dans le tissu social où ils œuvraient et auquel ils finirent par participer car ils furent, comme leur riverain, des êtres du labeur, artisans de leur survie. Ils sont Abdesselem Ayed, Atef Maatalah et Faycel Mejri.

On l’aura compris, l’utopie fut bientôt mise à mal par la réalité d’une condition tunisienne. La loi d’un inhumain Capital a voulu que rien ne subsiste d’El-Maamel. Mais quittons les sentiers des lois ou des systèmes et ce rien devient l’essentiel, le tout : ce reste tient son essentialité de l’expérience d’un vécu, de l’expérience d’une fabrique intérieure où un être-au-monde travaille. Souvent, ces vestiges fondateurs d’une histoire personnelle, nous les oublions car ils appartiennent aux instants du transitoire qui filent le cours des choses, à ces insignifiances qui, totalisées dans leur suite, signifient. C’est du moins là que nous conduisent les séries d’images que nous donne à voir Fakhri El Ghezal. Il fut un compagnon de route des trois ouvriers d’El-Maamel dont il partageait les séquences de vies dans la fabrique ou dans le gîte.

El-Maamel. Photogrammes, 2008. © Fakhri El Ghezal

Comme eux, Fakhri El Ghezal est nouvellement diplômé de l’école des beaux-arts de Tunis mais a choisi, de son côté, de traverser l’atelier de gravure où l’on s’initie à impressionner des plaques de la plus infime brèche, à inscrire les temps d’un faire dans l’instant de naissance d’une estampe… Sans doute, est-ce aussi que la gravure est un art de la mémoire qui a fait de l’œil de l’artiste un œil qui voit et qui se souvient. Mais c’est l’expérience brutale d’un réel que cet œil tentait désormais d’empreindre. El-Maamel fut aussi le lieu de cette expérience.

Avec un œil qui voit, un appareil argentique, un autre numérique, une vieille caméra au boîtier boiteux, Fakhri El Ghezal alterne images fixes et images mouvantes et déploie autant de modes de capture d’une lumière que de désirs d’absorber un réel. Avide, l’œil de l’artiste tente plusieurs voies d’entrée, fait parler plusieurs voix, le détail et l’ensemble, la grisaille et la couleur, l’humain, ses lieux et ses artefacts. Diversifier les caméras, adjoindre une prothèse à l’œil, la camera première, le dispositif dit le désir de sauver une totalité de l’expérience d’un vécu voué à n’être que vécu, d’une sensation vouée à n’impressionner que le corps qui la subit, à s’y diffuser et s’y fondre, à sauver enfin l’évanouissement même des choses.

Photographies de la série Sidi(s), 2009-2010. © Fakhri El Ghezal

Contrairement à la série Sidi(s), produite en ces mêmes lieux et temps et où travaille une tendance à toucher aux attentes esthétiques établies de la photographie par l’attention à la composition, aux contrastes, aux cadrages, la série d’El-Maamel lâche prise et les dispositifs d’enregistrement se laissent aller à simplement voir les choses et à faire trace de la lumière qui vient sans tenter de la conditionner, se résignant plutôt à sa condition de réalité. Le flou d’un vacillement qu’amènent la pâle lumière d’un néon et la paresse d’un obturateur comme un œil fatigué et ivre de l’insoutenable lumière du quotidien, les rayures d’un égarement et d’une déchéance de la pellicule qui impressionnent la mémoire du corps argentique, un cadrage partant en vrille et oubliant la loi des repères comme un corps assommé qui chancelle, une pellicule voilée superposant deux histoires : celle d’une caméra de fortune dont la béance du boîtier laisse scintiller la chimie d’un film, celle d’un sujet qui se perd… Toutes ces altérations photographiques qui n’ont pas « officiellement le droit à l’existence » écrivait Jean-Yves Jouannais du ratage en photographie, semblent répondre en échos à la condition de ces jeunes sculpteurs qui peinent à exister.

De l’acte naturel d’ouvrir ses paupières, cette levée du voile devient le courage d’affronter, au risque de la folie, la brutalité du réel, sa trivialité. Photographier ici relève de cette paupière qui s’ouvre héroïquement au monde et qui laisse l’œil en être envahi sans tenter de le transfigurer, de le façonner à sa convenance. Ici, les choses ne conviennent pas, elles viennent, comme une claque au visage, les images comme une claque sur le corps sensible de la pellicule. Dans la lignée d’une esthétique de la malfaçon, de la fotopovera, ces visions disent un acte de prise, une plastique et un sujet humain qui se répondent comme des miroirs se faisant face, comme des échos d’eux-mêmes. Il y a ainsi, dans ces lambeaux biographiques, une part autobiographique, le partage d’un intime.

El-Maamel. Photographie, 2008. © Fakhri El Ghezal

La série photographique et photogrammatique d’El-Maamel documente ainsi des parcelles de vies sans en interrompre l’écoulement. Comme un œil qui voit, l’artiste photographiait sans suspendre le cours des choses, en un acte qui en fait partie, qui en suit le mouvement, les fluences. Les images de Fakhri El Ghezal livrent, dans les mots d’une ethnographie, les travaux et les jours de jeunes sculpteurs. Les images se font documents, empruntant l’objectivité d’une prise de vues ou de vies des réalités d’une existence. Mais si cet œil qui voit fut ethnographe, il ne le fut que pour suivre un seul sujet : la poésie d’une réalité brute.


El-Maamel. Photographies, 2008. © Fakhri El Ghezal

Poésie, dans la déchéance des choses gisantes au sol, la trivialité d’un couloir vide, dans l’image qui ne laisse d’autre choix que d’en énoncer le sujet de « chiotte », de bouteilles d’alcool vidées de leurs essences et trônant en trophées de cuisantes victoires. Poétiques reliques pour un recueillement, installées religieusement dans une étagère devenant autel ; reliques photographiques d’un être aimé d’ornements griffonnés, de cultes d’êtres sacrés de maternité ou de paternité… Poésie d’un instant de relâche, d’une attente, d’un pisseur érigé en vainqueur. C’est, pour ainsi dire, l’œil écorché que Fakhri El Ghezal vit photographiquement l’expérience de la vie d’El-Maamel, partageant ainsi la vie de ces écorchés à vifs, par la réalité et la trivialité d’un quotidien, de ces êtres de la perdition qui malgré tout subsistent par leurs rêves.

[1] L’Institut Supérieur des Beaux-arts de Tunis.
[2] Mot arabe signifiant l’ « usine », la « fabrique ».

Cite this article / Citer cet article : Mohamed-Ali Berhouma, «S’écorcher l’œil et voir ou les archives d’une poétique du réel. Sur quelques séquences photographiques et photogrammatiques de Fakhri El Ghezal» – In Situ, in Les Carnets des imaginaires de l’atelier, 10 Juin 2018, https://atelier.hypotheses.org/292

In Situ

Elucider l’obscur ou les portraits de prostrés – Autour d’une série photographique de Douraïd Souissi

20/04/2017 Mohamed-Ali Berhouma Laisser un commentaire

Ce texte fut écrit pour l’exposition de l’artiste Douraïd Souissi : “Mohamed, Salem, Omrane, Hbib, Alaa, Farid, Hamza, Mehdi, Oussama, Kamel” (20 avril-10 Mai 2017) qui s’est tenue à la galerie A. Gorgi (Sidi Bou Saïd, Tunisie).

Durant plusieurs mois, en divers lieux, le dispositif de l’artiste se remet en place : l’espace s’aménage, le fond s’installe, l’éclairage est distribué, le figurant entre en scène, prend la pose imposée, les lumières se disséminent et s’emparent précieusement de la figure. La chambre noire ajuste ses ouvertures, l’objectif sonde la profondeur d’une netteté qui cisaille les contours du modèle et le photographe saisit les confluences méticuleusement scénographiées d’une lumière. La photographie est faite. On recommence. Et une autre figure, aux configurations qui lui sont propres, est profilée par les lumières réfléchies.

D. Souissi, Alaa, 2017, 110x160cm, tiré sur Hahnemühle William Turner Fine Art Print (Crédits photo : D. Souissi)

D. Souissi, Omrane, 2016, 110x160cm, tiré sur Hahnemühle Sugar Cane Fine Art Print. (Crédits photo : D. Souissi)

Au contraire d’une pratique sur le vif, ce parcours d’une photographie programmatique amènerait finalement, comme on s’y attend, une prévisible série de portraits. Il arriverait aussi que dans cette suite, l’on perçoive clairement les constances et, d’un premier coup d’œil, l’on indexerait aisément une variation au travail. D’une œuvre à l’autre, la figure est un autre. Les titres de Mohamed, Omrane, Hsouna, Oussema, etc. conforteraient cette idée et l’on est rassuré : il s’agit bien là de portraits et plus particulièrement de certains profils. Quel meilleur identificateur que le profil ? Diverses identités donc participent d’une même posture, debout, tête baissée, mais en participent chacune dans son imposant espace où une diffuse lumière semble se perdre jusqu’à l’obscurité.

L’on pourrait percevoir ainsi le travail qu’expose Douraïd Souissi. Toutefois, cette vision resterait aveugle si l’on ne percevait pas aussi, que dans un échange spéculaire, la photographie de l’artiste nous donne à élucider ce même qui sous-tend à la diversité de sa sculpture dans cette série de portraits, de clairs-obscurs. De la même manière que l’acte photographique de Douraïd Souissi travaille à faire la lumière sur ce point focal que vise son objectif, le regard qu’il appelle invite aussi à elucidare, dirait le latin, à éclairer le fil d’une pratique, d’une exploration. Au regard, une pause est donc imposée et à l’œil de ne point glisser à la surface de l’épreuve où l’obscurité du noir devient claire, devient profondeur : à l’œil donc de s’y engager.

Alors, nous voyons. Et nous voyons les figures photographiées de personnes. Leur singularité vient de la manière si personnelle, si intime même, qu’ils ont de se laisser prendre par la lumière. Ils apparaissent dans le corps par quoi ils sont là, dans le poids, le volume et la forme par quoi ils habitent un espace. Dans chacune de ces photographies, cette singularité est encore affirmée par le titre qu’elle porte : Mohamed, Omrane, Hsouna, Béchir, Alaa… Mais l’oeil poursuit : si ces personnes déclinent leur identité, sans patronyme, elles déclinent déjà dans leur identité. Ils ne sont bientôt plus qu’un Mohamed, un Omrane, un Salem, qu’un être qui fut là, à un moment donné et pris par la prise photographique. Il fut, cet être, mais l’espace où il apparaît n’est pas le sien. Le corps est dépourvu de ce qui l’entoure et qui lui rappelle sa condition de corps. Même s’il est délimité par un cadre, l’espace où apparaît la figure, par sa lumière fragile et fuyante, par son obscurité tendant sans fin vers un noir qui ne vient pas, semble incommensurable, irréel. Et l’œil doute déjà de la réalité de ce corps dans l’irréalité où il se profile.

D. Souissi, Salem, 2016, 160×110 cm, tiré sur Hahnemühle Sugar Cane Fine Art Print. (Crédits photo : D. Souissi)

Ce profil n’est pas celui par lequel une silhouette se donne à reconnaître. On ne discernera probablement pas Omrane ou Hsouna ou encore Slim. Parfois en profil de trois quarts, leur visage cède leurs contours au repli d’une expression. D’autre fois, leur posture emprunte celle de ces mystérieuses figures qui depuis l’Antiquité se dérobent au regard. Les peintres auront souvent fait rêver l’œil par cette pratique du profil perdu où les pourtours d’un visage fuient le champ du visible. Et un Mohamed, un Omrane, un Oussema, d’un être là, vogue vers l’anonymat. Au regard, apparaît désormais un quidam. Nous revoyons donc et l’œil tend et tente l’ajustement. Ce que nous voyons n’est plus tout à fait la persona et le masque de ce qui fait sa figure, et non encore le quidam sans nom au profil fuyant. Il y aurait là, un ténu entre-deux qui demeure où l’œil perçoit un homme, où l’œil devine l’Homme. Les corps démunis, les profils dénués, les auras dépouillées, ces portraits de prostrés par les pesanteurs d’un réel lévitent, dans un inachèvement, dans un quelque part où l’instant de l’abandon d’une lumière d’âme est presque entrevu par l’œil du photographe, élucidant pour nos regards le corps désormais lourd du poids de l’absence d’une âme, d’un homme, d’un Homme.

D’entre les grains photographiques qui font la matière de ces œuvres, et d’entre les œuvres qui font la matière de sa série photographique, un même subtil schème écholalique est à l’œuvre. Aux clairs-obscurs d’une plasticité répondent les figures, identifiées et déjà anonymes, elles-mêmes claires-obscures, photographiées. Dans le même temps, dans le même champ, une persona, nominale et figurale, devient, par sa posture fuyante, par sa présence dans une u-topia, « en aucun lieu », personne en particulier et, de fait, tout un chacun. Les prostrés, bien vivant dans leur expression, semblent déjà dans un ailleurs, dans un au-delà, face à eux-mêmes et à la conscience clairvoyante de la tragique faillite d’une existence.

Un œil complice de celui de l’artiste serait finalement saisi d’entrevoir dans ce que nous donne à élucider ses figures par la phénoménalité d’un obscur, la poésie de l’acte photographique de Douraïd Souissi ; un acte nullement anecdotique et éminemment synecdotique où se dévoile discrètement et se fait claire l’exploration pénétrante d’un médium dont les épaisseurs, de la plastique à l’iconique, sont révélées et subtilement agencées par les échos qui y résonnent, qui y raisonnent.

Cite this article / Citer cet article : Mohamed-Ali Berhouma, «Elucider l’obscur ou les portraits de prostrés – Autour d’une série photographique de Douraïd Souissi» – In Situ, in Les Carnets des imaginaires de l’atelier, 20 Avril 2017, https://atelier.hypotheses.org/238

In Situ

« Al-Madina » ou Les oraisons visuelles à nos âmes mortes – Sur une exposition de Intissar Belaïd

29/03/2017 Mohamed-Ali Berhouma Laisser un commentaire

L’exposition de l’artiste Intissar Belaïd, “Al-Madina” / المدينة , a eu lieu à la galerie A. Gorgi (Sidi Bou Saïd, Tunisie) en Mars 2016. Ce texte fut rédigé à cette occasion.

La ville a toujours porté ou supporté les grands rêves des hautes missions civilisatrices. Les utopies l’ont bien montré en édifiant des cités idéales pour des modèles de sociétés où l’homme pourra prétendre à son humanité, à son bonheur. Mais ces rêves urbains ne demeurèrent qu’u-topies, que non-lieux. À mille lieux de là, notre univers citadin, lui, est bien réel. Et on l’oublie souvent, on ne le pense pas. La ville, ses hauts murs et ses immeubles nous surplombent. La ville, ses interminables prolongements et ses tentaculaires ramifications nous dépassent. Nous y sommes engloutis. Notre posture n’est pas celle qui permette aisément de penser la ville qui nous enceint. Il faut croire que c’est plutôt la ville qui nous pense. Cela aussi, on l’oublie : la cité est une incorporation bâtie, une agglomération des ordres et des impératifs d’une politique, d’un social, d’un économique, d’un idéologique… bref, de systèmes de contrôles, de dominations, de conditionnements.

Intissar Belaïd, The City /المدينة , Triptyque, photographies prises à Tunis, 2016. (Crédits photo : I. Belaïd)

Par chance, quelques rares êtres échappent à l’aveuglement que nous imposent les toujours plus oppressantes cloisons. Ils habitent la ville et leur conscience libre, leurs lucides intuitions leur ouvrent d’autres bifurcations que les voies et les tracés que nous impose la cité. Ils voient et suscitent d’autres imaginaires que ceux que nous administrent les réclames et les enseignes bien installées dans les couloirs de nos quotidiens. Ces êtres savent encore échapper subtilement aux ordres de la ville qui nous dressent, nous surveillent, nous encadrent, car justement, ils voient. Intissar Belaïd est de ces êtres-là. Elle voit et plus encore, elle révèle ses visions avec une subtile force pour laisser surgir une vérité que l’on ne perçoit plus : le réel.
J’ai eu la chance de surprendre, dans le carnet de l’artiste, l’éclosion des œuvres. Une intuition juste et précise suit leur genèse. Minutieusement, chaque vision cherche les voies qui la cristalliseront le plus exactement possible. Et finement, ces visions trouvent leurs chemins sans céder à la pesanteur matérielle où s’abîme souvent l’art. Le travail des broderies, des images audiovisuelles et photographiques, des collages, a été menés par un œil et une main attentifs à retenir, tout au long de l’ouvrage, le flottement, la suspension par lesquels l’œuvre s’est donnée à l’artiste dans une sorte d’apparition aussi délicate que puissante.

I. Belaïd, Alam / أ.ل.م , Détails diptyque, broderie et brulure sur tissu transparent, 130x75cm ; 130x196cm. (Crédits photo : I. Belaïd)

Feuilletant ses notes et ses dessins, suivant le fil de ses créations en train, une voix intérieure semblait sourdre de dessous ses œuvres :

Broder une peine, une angoisse, une blessure. Tracer d’un fil tenace ces mémoires d’une aiguille transperçant imperturbablement la fragilité d’une chair marquée, mutilée par les brûlures d’une cigarette perverse. Ceci est mon corps, ma charogne et je vous l’offre en pâture.
Tracer une lumière qui me crève les yeux par sa terrible et sublime poésie. Et du fond des tombes urbaines, tourner les yeux aux ciels et chercher cette lueur qui ressuscitera le regard à chaque battement de paupière. Vivre, voir pour témoigner. Dire, crier ce qui nous happe si bas. Exorciser les visions qui hantent mes rêves urbains, coupant, collant, façonnant les imaginaires sortilèges. Jeter à la face des regards vides et avides d’aveuglement, leurs reflets de charognards des voluptés de chairs mortes, mortes de voir leurs âmes se dissiper dans les éthers de néons fluorescents.
Créer enfin, comme un animal qui se débat jusqu’à un souffle dernier. Créer.

I. Belaïd, The City of death / مدينة الأموات , Photographie prise à Seliana. (Crédits photo : I. Belaïd)

Tout est constellé autour d’une image centrale. Une inscription, un graffiti sur un mur. « La ville des morts ». Ce cri qui se fracasse sur la muraille trace une première fêlure. Les hauts remparts de la ville en sont fragilisés, ébranlés. Comme une image tremblotante et décomposée révèle les diverses strates qui la sous-tendent, une vision de la ville, dans toute ses puissances métaphoriques, apparaît à l’artiste. Par ces fissures, par ces écarts, la ville se dévoile et ce qui gît en dedans transparaît. Les murs ne protègent plus : ils cachent, enferment, emprisonnent, inhument. C’est cette réalité que montrent, ouvrent, libèrent et exhument les œuvres de Intissar Belaïd en une série de poèmes visuels comme autant d’oraisons funèbres dédiées à nos âmes mortes errant dans la cité aux horizons murés, dans le monde, enfin, aux cieux oubliés.

Cite this article / Citer cet article : Mohamed-Ali Berhouma, «”Al-Madina” ou les oraisons visuelles à nos âmes mortes – Sur une exposition de Intissar Belaïd» – In Situ, in Les Carnets des imaginaires de l’atelier, 29 Mars 2017 [2016], https://atelier.hypotheses.org/197